Otотаку: Единствена јапонска традиција во која рибата станува уметничко дело

Otотаку: Единствена јапонска традиција во која рибата станува уметничко дело


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Gyотаку е традиционална јапонска уметничка форма која е многу уникатна, а некои дури можат да кажат и бизарно. Самиот збор Гјотаку е комбинација од два одделни зборови - Yoо, што значи „риба“ и Таку, што значи триење. Како што покажува неговото име, otотаку е уметност која произведува отпечатоци од риби преку методот на триење.

Потеклото на триење како средство за чување антички текст

Во соседна Кина, методот на триење беше откриен до почетокот на 7 век од нашата ера или можеби дури и порано. Со употреба на хартија и мастило, Кинезите можеа точно и лесно да направат повеќе копии од старите впишани записи.

Првото печатење на растенија пронајдено на хартија може да се најде на сириски ракопис кој датира од раните 1100 -ти н.е. И како што наскоро ќе видите, на крајот Јапонците ја зедоа уметноста за да вклучат други природни предмети, како што се рибите.

Во споредба со двата примери погоре, може да се каже дека otотаку бил новодојденец во практиката на производство на отпечатоци со употреба на техниката на триење. Како и да е, оваа традиционална јапонска уметност е посебна на свој начин.

  • Легендата за Хајкегани: ракови од духови на Самурај
  • Проклетството на сечилата на Самурајот Мурамаса
  • Сликата што се смета за ремек -дело на древниот Египет може да биде лажна од 1870 -тите

Црвениот Снапер. Gyотаку на платно. (Том Харт/ CC BY 2.0)

Еден од најпопуларните уметници Gyотаку денес е Наоки Хајаши, уметник од Хаваи, кој создава прекрасни дизајни со „уметност на риба“. Иако неговата работа е импресивна, разбирањето на Хајаши за тоа како да се создаде традиционално гиотаку е релативно едноставно: „фати го, испечати го и изеди го“. Како што изјави Хајаши за Атлас Обскура: „Понекогаш луѓето својата работа ја нарекуваат гиотаку без да ги имаат сите тие три главни компоненти. Но, тоа не е гиотаку. Целата вредност и значење зад неа се отфрлаат, а не се ценат “.

Како започна otотаку? Две теории

Кинеската употреба на методот на триење, на пример, се користеше првенствено за правење отпечатоци на натписи и уметнички форми вештачки, вклучително и натписи (или резби) на карпи и карпи, сликовити релјефи и бронзени садови и фигурини. Јапонската уметност otотаку, од друга страна, е повеќе ориентирана кон природата, бидејќи рибата стана предмет и материјал на оваа уметничка форма.

Се шпекулираше дека Gyотаку првично не започнал како уметничка форма, туку како средство за снимање на уловот на рибар. Оваа техника можеби за првпат ја користеле јапонски рибари кои сакале да направат запис за големината и видовите риби што ги фатиле.

Според друга приказна, еден цар на Јапонија сакал да води точна сметка за сите негови улови и наредил да се направат отпечатоци од различните видови риби што ги уловил.

Без оглед на потеклото, на крајот целта на otотаку се смени од практично средство за снимање на своите улови во негувана уметничка форма.

Како да се направи otотаку

Материјалите потребни за otотаку се едноставни - риба, хартија, мастило или боја и четки. Во минатото, оваа уметност користеше риби што беа свежо уловени. Меѓутоа, денес, гумени реплики може да се користат за замена на вистинска риба.

Дополнително, во минатото се користеше нетоксичен тип мастило наречено суми мастило (кое главно се состои од саѓи и животински лепак). Ова значеше дека откако ќе се направи отпечатокот, рибата потоа може да се исчисти, готви и јаде.

Отпечаток Gyotaku користејќи мастило. ( CC BY SA 2.0 )

Постојат два методи на Gyотаку - индиректен метод (познат како Кансецу-хо), и директен метод (познат како чокусецу-хо). За првиот метод, влажна хартија се обликува директно врз рибата. Со прицврстување на хартијата надолу, сите детали се собираат кога се нанесува мастилото. Потоа, хартијата се остава да се исуши и внимателно се отстранува.

Во споредба со индиректниот метод, сепак, директниот метод е многу побрз и е способен да произведе повеќе слики. Наместо притискање на навлажнет лист хартија врз рибата, мастило (или боја) прво се нанесува на нејзиното тело. После тоа, ставете лист хартија над неа и притиснете нежно за да ги соберете деталите за рибата. Потоа, хартијата се лупи и се добива огледална слика на животното.

Otотаку со индиректен метод. (Рон Вонг/ CC BY NC 2.0)

Проширување на Gyотаку за уметност и образование

Иако otотаку започна како едноставни отпечатоци од црно мастило со практична цел, подоцна се разви во уметничка форма кога беа додадени богати бои и детали за животната средина. Денес, уметноста на Gyотаку с still уште се практикува во Јапонија и се прошири и во други делови на светот.

  • Археолозите ја идентификуваа првата праисториска фигуративна пештерска уметност на Балканот - тоа е симболично!
  • Како византиската уметност и архитектура го освоија познатиот свет
  • Индијанска уметност: Илјадници уметници, но само дел од нивните ремек -дела преживеаја

Многу рибарски села и денес користат гиотаку во својата утилитарна форма. Исто така, постојат некои годишни настани, како оној во Осака, каде што рибарите се натпреваруваат за најимпресивните отпечатоци од гиотаку.

Покрај тоа што е ликовна уметност, некои луѓе го користеа и Gyотаку за едукативни цели. На пример, додека луѓето ги произведуваат своите отпечатоци од риба, тие исто така можат да се научат за основната анатомија на рибите, начинот на кој се движат во водата, а можеби дури и адаптациите што ги направи нивното тело за да преживеат во средините во кои живеат.

Otотаку. (Нора Гомез-Штраус/ CC BY ND 2.0)

Така, otотаку е пример каде уметноста и науката можат да се надополнуваат едни со други, бидејќи печатниците наоѓаат мир и креативност додека учат во образовни услови, па дури и во програми за рехабилитација во некои затвори.


Смитсонијан соработници

Смитсонијан Соработници Стриминг претставува изненадувачки приказни зад скапоцени камења во Смитсонијан Националната колекција скапоцени камења. (Хоуп Дијамант, Чип Кларк)

Стримингсонианс Асошиејтс стриминг продолжува до мај со индивидуални програми, курсеви за повеќе дела, часови по уметнички студии и виртуелни студиски патувања произведени од најголемата едукативна програма базирана на музеи во светот.

Сабота, 1 мај

Вовед во Lightroom: Adobe Lightroom е најкорисниот (и пријателски за корисниците) софтвер за организирање и уредување слики, употреблив и за RAW и за JPEG датотеки со слики. Оваа работилница на две сесии им нуди на корисниците преглед на програмата, со фокус на работа со основната библиотека и развој на модули за организирање и уредување на вашите датотеки. 9:30 наутро ET $ 275-$ 295

Приказни за „Флеш ватенка“: Инспирирани од проектот за мемоари со 6 зборови, научете да снимате брзи слики од лични приказни во quидови со ватирани wallидови. 13:30 часот ET $ 45- $ 55

Понеделник, 3 мај

Африканска уметност и трговија со робови: Траумата на трговијата со робови засекогаш ја смени културната историја на Африка. Историчарот на уметност Кевин Тервала ги испитува трговиите со робови во Атлантскиот и Индискиот Океан, со фокус на тоа како африканските уметници-и општествата во кои беа дел-реагираа на ненадејното и брутално нарушување и трансформација и депопулација на вториот по големина континент во светот. Тој, исто така, нагласува како трговијата со робови истовремено донесе големо богатство, а со тоа и луксузни уметности изработени во сребро и злато. Уписниците на сертификатот за светска историја на уметност Смитсонијан добиваат 1/2 кредит. 18:45 часот ЕТ од 20 до 25 долари

Радоста на фотографијата: Дизајниран за почетници кои сакаат да научат како да ја користат својата дигитална камера или огледало како креативна алатка, студентите ќе стекнат вештина во техничките аспекти на фотографијата за да можат да се концентрираат на компонирање прекрасни слики. 18:30 часот ЕТ $ 165- $ 185

Среда, 5 мај

Пионерски жени во архитектурата: Кон крајот на 19 -тиот и почетокот на 20 -от век, професијата архитектура што се појавуваше во Америка беше многу машки свет - но талентираните и упорни жени создадоа врата во неа. Предавачот Бил Кин ги испитува значајните кариери на тројца од тие пионери и нивната важност во развојот на оваа област. 19 часот ET $ 25-$ 30

КУЛИНАЗИЈА: Заштеда на кинескиот кварт и нашите наследства: Во ерата на Ковид, антиазискиот расизам и насилство е широко распространет, а многу азиски ресторани и големи и мали трајно ги затворија вратите. Зошто опстанокот на кинеските ресторани и зачувувањето на наследството на азиската храна во Америка е толку важно за душата на нашите градови? Во бесплатна програма, панел готвачи, застапници и активисти разговараат за иднината на кинеските населби низ целата земја. 18:30 часот ЕТ Бесплатно, потребна е регистрација.

Четврток, 6 мај

Вовед во акварел: Почетните студенти, како и искусните сликари ги истражуваат техниките на акварел и учат нови пристапи кон сликањето преку демонстрација, дискусија и експериментирање. 12 часот ЕТ од 245 долари-275 долари

Три обични девојки: Womenени борци за отпор во Втората светска војна Холандија: Истражете го отпорот на Холандија за време на Втората светска војна преку неверојатната приказна за три млади жени чии должности вклучуваа експлозивна саботажа и атентати лице в лице. 12 часот ЕТ $ 20-25 $

Петок, 7 мај

Каде и да посакам Рона: Поминете една фасцинантна петочна вечер проширувајќи го вашето знаење за светот на виното додека пиете голтка заедно со сомелиерот Ерик Сегелбаум во серија прекрасни авантури. Оваа извонредна програма ги прикажува вината на Долината на Рона и вклучува куриран личен комплет за дегустација за да го подобри искуството. 18 часот ET $ 65- $ 75

Пред камерите, јапонските рибари ја користеа оваа техника за да документираат голем улов кога беа на море: нанесоа суми мастило на риба, ја притиснаа на весникот, а потоа ја исплакнија рибата во водата за да може да се јаде. Смитсонијан соработници презентира студиска уметничка работилница „otотаку: Јапонската уметност на печатење со риба“ на 8 мај. (Сју Фиерстон)

Сабота, 8 мај

Otотаку: Јапонската уметност на печатење со риба: Користејќи директно печатење и мастила за печатење на база на вода, создадете рибисти риби со реален изглед или единствен уметнички отпечаток, едноставно со мастило на цела риба и притискање на хартија. 10 часот наутро ET $ 75- $ 85

Појавувачки дестинации на Сафари во светот: Виртуелни сафари со Расел Гамон: Врвните еко-туристички компании се пионери на сафари од мала група до нови дестинации кои нудат уникатни средби со диви животни за авантуристички патници. Придружете се на водичот за дивината и фотографот за диви животни Расел Гамон за серија виртуелни сафари до скриените краеви на Африка, Азија и Јужна Америка во потрага по некои од најретките и најиконските суштества на планетата. 10 часот наутро ET 65 долари

Понеделник, 10 мај

Ручек со куратор: Серија за дизајн на украсни уметности: Кураторката Елизабет Леј ја поздравува експертката за накит Шила Смити за испитување на неколку визионерки Французинки кои ги користеа своите извонредни креативни моќи во 1920 -тите и 1930 -тите години за да го трансформираат дизајнот на накит. „Виртуелна практична“ сесија го нуди следното најдобро нешто за лично испитување на накит под лупа. 12 часот ЕТ $ 20-25 $

Вторник, 11 мај

Напиши во уметност: Креативно пишување инспирирано од визуелна уметност: Откријте како визуелната уметност може да инспирира креативно пишување што нуди моќен начин да се доживее уметноста. Придружете се на површината на Мери Хол од популарниот салон за пишување на Националната галерија на уметност за серија работилници што ги истражуваат основните елементи на пишување и стилови преку внимателен изглед, скицирање зборови и имагинативен одговор на потсетувањата. Оваа сесија се фокусира на јапонско-американскиот уметник Кенџиро Номура Фармата. 10 часот наутро ET $ 40- $ 45

Среда, 12 мај

Поминување филмови во Америка: Никелодеонс до Филмски палати до ИМАКС до Стриминг: Фасцинантен поглед на историјата на кино салите испитува како се сменило искуството на посета на филмови во текот на децениите - и дали кино салите воопшто ќе преживеат во ерата на стриминг услугите. 12 часот ЕТ од 20 до 25 долари

Четврток, 13 мај

Простори на сеќавање: Повторно разгледување на спомениците во Вашингтон: Кетлин Башијан, сертифициран главен водич во Вашингтон и популарен лидер на студијата Смитсонијан, води виртуелен меморијален аџилак низ градот, испитувајќи ја естетиката на спомениците како уметнички дела и архитектура, нивната потекло, и нивното влијание врз современите посетители. 12 часот ET $ 25-$ 30

Петок, 14 мај

Валцер: Музика, секс, општество и политика за три четвртини: Цвета во Виена и се шири како манија низ Европа, валцерот прогласи нова слобода на сексуално изразување и индивидуални слободи во почетокот на 19 век. Класичната музика и оперски експерт Саул Лилиенштајн го следи развојот на музичка форма и танц што ја сменија историјата. 10 часот наутро ET $ 80- $ 90

Сабота, 15 мај

iPhone Photography II: Изведете ги вашите вештини за камера на iPhone на друго ниво во дводневна работилница која се фокусира на апликацијата ProCamera и техники за уредување организирање, печатење и објавување на вашите фотографии и критичка сесија на слики. 10 часот наутро ET $ 75- $ 95

Недела, 16 мај

Големи бувови со рогови: флота и мистериозно: Големата був со рогови се наоѓа во секоја држава, освен на Хаваите и речиси во секое живеалиште. Во серијата разговори богати со аудио клипови, фотографии и видеа, натуралистот Марк Х.Х. Гленшо презентира уште една длабинска студија за ова величествено суштество. Оваа сесија се фокусира на ловот и навиките за хранење на бувот. 13:30 часот ЕТ од 20 до 25 долари

Вторник, 18 мај

Грчки херои и уметност: Ахил: Историчарот на уметност Рене Гондек се фокусира на визуелните прикази на иконскиот херој од Тројанската војна, Ахил, за да испита како најпознатите епски наративи од класичната митологија инспирирале векови на креатори и култури. Уписниците на сертификатот за светска историја на уметност Смитсонијан добиваат 1/2 кредит. 12 часот ЕТ од 20 до 25 долари

Jeефри Пост, кустос на Националната колекција на скапоцени камења и минерали на САД во Музејот за природна историја на Смитсонијан, ги открива скандалите, мистериите и човечките приказни зад најпознатите скапоцени камења во светот во програмата на Смитсонијан Сосиејтс стриминг на 18 мај.

Откриена националната колекција на скапоцени камења Смитсонијан: Прекрасните скапоцени камења на Националниот музеј за природна историја претставуваат блескав пресек на природната наука, човечката историја, културата, романтиката, уметничката вештина и креативноста - спротивно од привлечноста со огромна вредност и страшна убавина. Jeефри Пост, кустос на Националната колекција на скапоцени камења и минерали во САД, ги открива скандалите, мистериите и човечките приказни зад некои од најпознатите скапоцени камења во светот. 18:45 часот ЕТ $ 20-25 $

Загрозени места на светското наследство на УНЕСКО: Палмира: Постојат 1.121 локации на светското наследство на УНЕСКО низ целиот свет. Водена од Justастин М. Jacејкобс, вонреден професор по историја на Американскиот универзитет, оваа серија се фокусира на четири од овие локации кои претрпеа тешка штета во последните децении, од Палмира до Големиот корален гребен. Првата сесија се фокусира на Палмира. 18:45 часот ЕТ 25 долари

Тамика Д. Мелори: Вонредна состојба: Цртајќи теми од нејзината нова книга Вонредна состојба: Како победуваме во земјата што ја изградивме (Атриа/издание на црно привилегија), активистката и лидерка за социјална правда Тамика Д. Мелори се придружува во тркалезна маса за расна нееднаквост од актерот и комичар Тифани Хадиш, моделот и активист Емили Ратајковски и Април Рајан, дописник на Белата куќа, политички аналитичар на Си -Ен -Ен , и началник на Бирото за ТеГрио, кој работи како модератор. 18:45 часот ЕТ $ 50

Среда, 19 мај

Данте без фусноти: Она што го одржува она на Данте Божествена комедија с still уште значајно денес, иако е напишано пред седум века? Истражете ја епската поема на Данте во сето нејзино културно и историско богатство - без потреба од фусноти - и откријте како начините на неговата безвременска мудрост и увид можат да го подобрат нашиот секојдневен живот. 18:30 часот ЕТ од 20 до 25 долари

КУЛИНАЗИЈА: Југоисточна Азија има што да каже: Отворањето југоисточноазиски ресторан, бар или храна со храна секогаш беше тешка битка. Како можат тие да ги држат своите врати отворени за време на глобална пандемија со двојно натрупани шанси за антиазиски расизам на највисоко ниво на сите времиња? Во бесплатна програма, научете како панелот од готвачи и ресторани од Југоисточна Азија од целата земја се среќава со моментот. 18:30 часот ЕТ Бесплатно, потребна е регистрација.

Akeејк Тапер: Devаволот може да танцува: водителот на Си -Ен -Ен, akeејк Тапер, ги повика своите внатрешни знаења за работата на Вашингтон за да го напише својот најнов политички трилер од периодот. Mayаволот може да танцува, во која конгресменот Чарли Мардер и неговата сопруга Маргарет се најдоа лансирани во темната страна на Холивуд во 1960 -тите, по опасна задача на јавниот обвинител Роберт Кенеди. Придружете му се додека тој разговара за мешање политики и пакет стаорци во неговата книга, како и за неговата работа што го опфаќа не-измислениот Вашингтон. 18:45 часот ET $ 25-$ 30

Четврток, 20 мај

Полноќ во Каиро: Дивите во египетските врева 20 -ти: Во текот на 1920 -тите и 1930 -тите години, во живата музичка, театарска, филмска и кабаре сцена во Каиро доминираа жени кои беа претприемачи и сопственици, како и познати личности. Откријте ги богатите истории на независните личности кои понудија нова визија за жените во Египет и на Блискиот Исток. 18:45 часот ЕТ од 20 до 25 долари

Петок, 21 мај

Вкусите на Мериленд: Долгата историја на Мериленд, разновидните жители, разновидните пејзажи и, се разбира, заливот Чесапик придонесоа за вкусна корнукопија на храна и кулинарски традиции. Истражете ги вкусовите на државата, познати и уникатни, од Апалаците во западен Мериленд до источниот брег на Чесапик. 10 часот наутро ET $ 25-$ 30

Зошто Американците се вратија во војната за да најдат одговори во сегашноста? На 22 мај, историчарот Стивен Енгл следи 150 години постојано менување на нарацијата за Граѓанската војна и зошто с still уште се бориме да постигнеме прифатлива верзија на нејзиното наследство.

Сабота, 22 мај

Граѓанска војна во перспектива: Наша еволуирачка приказна: Ниту еден настан не ги смени Соединетите држави подлабоко од Американската граѓанска војна. Сепак, останува прашањето: Зошто Американците се вратија во војната за да најдат одговори во сегашноста? Историчарот Стивен Д. Енгл следи 150 години постојано менување на нарацијата за Граѓанската војна и зошто с still уште се бориме да постигнеме прифатлива верзија на нејзиното наследство. 9:30 наутро ET $ 80- $ 90

Шекспир: Музиката зад филмовите: „Претставата е нешто“, изјави Хамлет, но во денешно време тој лесно можеше да го замени „филмот“. Пијанистот Рејчел Френклин, говорник и концерт, комбинира демонстрации со коментари и пијано за да истражи како мајстори композитори како Вилијам Волтон, Нино Рота, Патрик Дојл и други ги осветлуваат текстовите на Шекспир, истовремено помагајќи ни емотивно да се поврземе со неговите неверојатни приказни на екранот. 10:30 часот наутро ET $ 50- $ 60

Недела, 23 мај

Античка уметност на тетоважи со Хена: Тетоважите со Хена одразуваат древна и убава практика на уметност на телото. Истражете ја историјата на формуларот додека учите да применувате едноставни традиционални дизајни на индиска хена. 13 часот ET $ 45- $ 55

Вторник, 25 мај

Историските кралски палати во Англија: чекор внатре: Придружете се на историскиот водич на Кралските палати Сиобхан Кларк за виртуелен изглед во четири големи историски кралски палати. Користејќи мапи, слики, фотографии и музика, Кларк ги воведува прекрасните коридори на кралската моќ и задоволство. 12 часот ET $ 80- $ 90

Серијата „Смитсонијан Асошиететс стриминг“ „Загрозени места на светското наследство на УНЕСКО“ започнува во мај со длабински преглед на четири локации кои претрпеа тешка штета во последните децении од Палмира (слика) до Големиот корален гребен.


Јапонија објави повеќе земјотреси од која било друга земја во светот. Може да доживее десетици мали земјотреси секој месец. Поголемите земјотреси, кои предизвикуваат инфраструктурна штета или цунами, се многу поретки, но поразителни кога се случуваат.

Настрана од омилените сакани низ целиот свет, како што се едамаме (соја), суши и мисо, има многу уникатно јапонски јадења, па дури и на повеќето авантуристички јадења можеби ќе им треба убедување за да ги пробаат. Нато, некој?


Кинеска уметност на крап

Кина е дом на прадедовците за уметност на крап, и каде што кои и традиционалната јапонска крап уметност (особено раните слики) црпат голем дел од својата инспирација. За кинескиот народ, крапот е симбол на упорност, сила и издржливост. Во многу кинески народни приказни, крапот се смета за инкарнација на змејот што им носи среќа и богатство на оние чиј пат го поминува.

Исто така, со долгите мустаќи и ваги, се вели дека крапот физички личи на змеј. Всушност, еден од најпопуларните кинески мотиви за крап е крап (а) што плива кон водопад и се трансформира во змеј. Овој мотив се базира на древна кинеска легенда за крап кој плива спротиводно во ellowолтата река кон митската Порта Змеј и Апос на врвот на џиновска легендарна планина. Оние неколку крапи што пливаат до водопадот и низ портата се сменети во змејови. До ден -денес постои една изрека во Кина: & quot; & quot; скокна низ портата на змејот и апосот. & quot; Оваа изрека често се користи за студенти кои ги положуваат факултетските испити или воопшто луѓе кои напорно работат на задача и успеваат над нивните најлуди очекувања.

Некои други вообичаени мотиви на крап во кинеската уметност вклучуваат јин јанг крап (со црн и црвен крап што ги формира двете страни на симболот јин јанг), крап плива меѓу лотосовите цвеќиња (свет будистички симбол што претставува ментална хармонија) и група девет крапи (со тоа што Кинезите деветмина се сметаат за среќен број) заедно пливаат.

Крапот може да се најде во многу видови кинески уметнички дела, вклучувајќи слики со свитоци, слики со мастило, керамика и многу повеќе.

„Карп скока по каскада“ од Катсушика Хокусаи. Забележете ги неверојатните детали во оваа слика, вклучувајќи ги и капките вода што прскаат наоколу!


Во Јапонија, најголемиот празник е новогодишната прослава. Во текот на пролетта и летото, се одржуваат прослави за боговите на земјата и морето, или Мацури. Секој град има свој Матсури, и овие прослави се присутни нашироко од сите.

Спортот игра значајна улога во јапонската култура. Сумо, џудо и карате се традиционални јапонски спортови и бејзбол, фудбалот и рагбито се донесени од други култури.

Сумо е национален спорт на Јапонија и до денес првенствено се практикува само во Јапонија. Модерното сумо е формирано за време на ерата Едо и оттогаш малку се променило. Бејзболот е најгледаниот спорт во земјата. Првпат беше воведен во земјата во 1872 година и оттогаш расте популарноста.


Сликање

Развојот на сликарството за време на периодот Едо црпеше енергија од иновациите и промените што настанаа за време на периодот Момојама. Тематските интереси, вклучувајќи конфучијански теми и постојаната фасцинација со јапонските класични теми, веќе беа очигледни во годините пред националната консолидација. Genанровските теми што го слават урбаниот живот станаа пофокусирани за време на периодот Едо, како прикази на активностите во просториите за задоволство. Нео-конфучијанската култура од периодот Едо и неговото поврзано влијание во визуелните уметности се вратија во фасцинацијата на периодот Муромачи со кинеските работи. Експериментите во реализмот, значително под влијание на изложеноста на западните модели, произведоа големи нови линии на сликање. Особено карактеристичен за тој период беше зголемувањето на бројот на важни индивидуалистички уметници и уметници чија еклектична обука може да ги исполни барањата за разновидно покровителство.

Школата за сликари Кана се прошири и функционираше како еден вид „официјална“ јапонска сликарска академија. Многу сликари кои подоцна ќе започнат со сопствени стилски родови или ќе функционираат како независни и еклектични уметници, ја добија својата почетна обука во некое ателје Кана. Кани Санраку, чија смела шема беше најблиску меѓу раните сликари во Кана, допирајќи ги вкусовите стимулирани од Тавараја Сатацу и Хонами Кецесу со нивниот дворски стил на заживување, обезбеди врска со генерирачките енергии што го започнаа училиштето до неговата почетна позиција. Кани Тања ја зацврсти доминантната позиција на училиштето Кана и значително ги насочи тематските интереси на ателјето. Во извесна смисла, уметниците од Кана станаа официјални визуелни пропагандисти на владата во Токугава. Многу од нивните дела ги нагласија конфучијанските теми за брачна побожност, правда и правилно наредено општество. Тања не само што беше водечки сликар во училиштето, туку беше и исклучително влијателен како познавач и теоретичар. Тетратките на Тања што ги содржат неговите коментари и скици на набудувани слики се главен историски извор. Неговото доброто мастило и изведбата на светли бои на ōиза Босацу открива мајсторство во четката и темелно познато, разиграно разгледување на будистичката слика. Младешките карактеристики на божеството се пренесуваат како одеднаш месести и етерични. Сликата е дефинитивно различна од нежните, но величествени изведувања од периодот Камакура.

Две линии на сликање го истражуваа заживувањето на интересот за дворски вкус: едната беше консолидација на група што потекнува од Сатацу, а другата, училиштето Тоса, тврдеше дека потекнува од империјалните сликарски студија од времето на Хејан. Толкувањата понудени од соработката на Кјецу и Сатацу во доцниот период на Момојама се развиле во карактеристичен стил, наречен ринпа, акроним што го поврзува вториот слог со името на Агата Керин, водечки застапник на стилот во периодот Едо, и ха (па), што значи „училиште“ или „група“. Самиот Сатацу бил активен во 1640 -тите, а неговите ученици го продолжиле неговиот карактеристичен израз на обрасци на класични теми. Како и Сатацу, Керин произлезе од занаетите во Кито како потекло на семејство на текстилни дизајнери. Неговите слики се значајни по интензивирање на квалитетот на рамниот дизајн и апстрактни модели на бои истражени од Сатацу и за употреба на раскошни материјали. Неговото почитување на епизодата Јатсу-хаши од Приказни за Исе се гледа во пар екрани во кои има мочуриште на ирисот поминувано преку осум пешачки мостови што е опишано во приказната. Керин се обиде на оваа тема, со и без референца за мостовите, во неколку наврати и во други медиуми, вклучително и лакирање. Класичната литература ја зафати популарната култура до тој степен што оваа единствена визуелна референца би била лесно препознаена од гледачите во тој период, дозволувајќи му на Керин да предизвика познато расположение или емоции без да мора да прикаже одреден инцидент на заговор. Други значајни експоненти на ринпа стил во подоцнежните години од периодот Едо беа Сакаи Хиицу и Сузуки Киицу (1796-1858).

Училиштето Тоса, наследно училиште на дворски сликари, доживеа период на преродба благодарение на исклучителните таленти и политичката острина на Тоса Мицуоки. Покровителските врски на Мицуоки со империјалното домаќинство, с still уште престојувајќи во Кито, му дадоа благодарна аристократска публика за неговите префинети наративни евокации на теми и стилови на Хејан. Пар екрани на кои е прикажана пролетно-цветна цреша и есенски јавор удираат во меланхоличен акорд. Прикачени на гранките на дрвјата се украсени листови хартија со класични песни испишани од невидените учесници во традиционалните дворски излегувања за да ги прослават годишните времиња. Алузијата за минатото книжевно славје и за поетската забава неодамна распрснати сугерира дека расположението на судот сега поднесе оставка на церемонијални улоги под диктатурата Токугава. Ателјето Тоса беше активно во текот на Едо периодот. Подружница на училиштето, сликарите Сумијоши okeокеи (1599-1670) и неговиот син Гукеи (1631-1705), создадоа карактеристични и светли прикази на класични предмети. Во првата половина на 19 век, група сликари, вклучително и Рејзеи Тамечика, ги истражуваа древните сликарски извори и понудија заживување на стилот Јамато-е. Некои, но не сите, сликари во овој круг беа политички активни поддржувачи на империјалната или ројалистичката кауза.

Во прилог на Кана, ринпа, и стилите на сликање Тоса, кои сите потекнуваат од претходните периоди, се развиле неколку нови типови на сликање за време на периодот Едо. Овие можат слободно да се класифицираат во две категории: индивидуалистички или ексцентричен стил и бунџин-гаили литературно сликање. Индивидуалистичките сликари биле под влијание на нетрадиционални извори, како што се западното сликарство и научните студии за природата, и тие често користеле неочекувани теми или техники за да создадат уникатни дела што ги одразуваат нивните честопати неконвенционални личности.

Лозата што се формираше под генијалноста на Марујама Екио, накусо може да се опише како лирски реализам. Сепак, неговата наклонетост за студии по природа, без разлика дали се работи за флора и фауна или човечка анатомија, и неговото суптилно вклучување на перспективни и засенчувачки техники научени од западните примери, можеби подобро го квалификуваат да биде забележан како првиот од големите еклектични сликари. Во прилог на негување на талентирана група студенти кои го продолжија неговиот препознатлив стил во неколку последователни генерации, студиото на Екио, исто така, го подигна непоправливиот Нагасава Росецу, индивидуалист познат по поттикнувањето на прогонувачки натприроден квалитет на неговите дела, без разлика дали се работи за пејзажни, човечки или животински студии. Уште еден од соработниците на Екио беше Матсумура Гошун. Кариерата на Гошун повторно сугерира с increasingly повеќе флуидна и креативна диспозиција на ателјеата од периодот Едо. Првично следбеник на литературниот сликар и поет Јоса Бусон, Гошун, збунет од смртта на неговиот господар и други лични неуспеси, се придружи со Екио. Брзата и духовита четка на Гошун прилагодена на помекиот, полиран стил Ōkyo, но ја задржа целокупната индивидуалност. Тој и неговите ученици се познати како училиште Шиџо, по улицата на која се наоѓа студиото на Гошун, или, како признание за влијанието на Екио, како училиште Марујама-Шиџо. Други значајни индивидуалисти од 18 век вклучуваат Сога Шахаку, во суштина патувачки сликар, кој беше ексцентричен толкувач на кинески теми во фигура и пејзаж пренесен во често темно и претчувствително расположение. Ита Јакучи, син на просперитетен трговец со зеленчук Киото, бил независен мајстор и на мастило и на полихромни форми. Неговите слики во кој било режим честопати ја пренесуваат богатата текстура на производи со густа шема, наредени на пазар.

Другиот нов стил на сликање, бунџин-га, исто така се нарекува нан-га („Јужно сликарство“) бидејќи се разви од таканареченото кинеско јужно сликарско училиште. Кинескиот познавач и сликар Донг Кичанг (1555-1636), во објаснувањето на својата теорија за историјата на кинеското сликарство, постави дихотомија помеѓу северното конзервативно, професионално сликарство и јужните хетеродокси, експресивни и слободни стилови. Аргументот, кој беше многу полемичен и премногу генерализиран, сепак го промовираше идеалот на научениот научник-господин, кој немаше никакви парични или политички интереси и не беше заплашен од премногу полирани и бездуховни примери на професионално сликарство. Идиосинкративниот јужен стил на сликање беше предложен како едно од достигнувањата на аматерскиот литературен. Овој поим за вистинскиот идеален конфучијански идеал има експоненти во Јапонија од 17 век, кои сметаат дека неоконфучијанизмот прогласен од шогуналните власти е сомнителен и политички искривен. The Japanese understanding of the literati aesthetic was significantly influenced, however, by the final wave of Zen Buddhist monks who fled to Japan after the Manchu takeover of China in 1644. Monks of the Ōbaku Zen sect did not arrive on the scale of previous Zen immigrations to Japan, but they did bring a consistent point of contact and numerous examples of contemporary Chinese art (albeit of varying quality) for interested Japanese literati aspirants and artists to study.

While the amateur ideal was pursued by many Japanese bunjin, the most remarkable of the ink monochrome or ink and light colour works were created by artists who, although generally attempting to conform to a bunjin lifestyle, were actually professionals in that they supported themselves by producing and selling their painting, poetry, and calligraphy. Especially notable artists from this tradition include the 18th-century masters Ike Taiga and Buson. Some of Taiga’s most compelling works treat landscape themes and the melding of certain aspects of Western realism with the personal expressiveness characteristic of the Chinese bunjin ideal. Buson is remembered as both a distinguished poet and a painter. Frequently combining haiku and tersely brushed images, Buson offered the viewer jarring, highly allusive, and complementary readings of a complex emotional matrix. Uragami Gyokudō achieved movements of near abstraction with shimmering, kinetic, personalized readings of nature. Tani Bunchō produced paintings of great power in the Chinese mode but in a somewhat more polished and representational style. He was a marked individualist and served the shogun by applying his talents to topographical drawings used for national defense purposes. Bunchō’s student Watanabe Kazan was an official representing his daimyo in Edo. Through his interest in intellectual and artistic reform, he perhaps came the closest to exemplifying classic literati ideals. His accomplishments in portraiture are especially significant and reveal his keen study of Western techniques. In a conflict with the shogunate over issues ultimately relating to Japan’s posture toward the international community, Kazan was imprisoned and then took his own life.


Artist Turns an Ancient Japanese Battle Painting Into an Energetic Animation

Have you ever looked at a landscape painting and imagined it coming to life? Japanese videographer Yusuke Shigeta decided to transform an ancient artwork into an animation that now looks like something from a video game. His work is titled Sekigahara-Sansui-zu-Byobu (Folding Screen of Painted Sekigahara Landscapes) and is based on a 17th-century multi-panel screen that depicts the Battle of Sekigahara.

One of the most important wars in Japanese history, the Battle of Sekigahara took place during the Sengoku period on October 21, 1600, in what is now Gifu prefecture. All told, 160,000 men faced each other the samurai warriors of Tokugawa Ieyasu against a coalition of Toyotomi loyalist clans. The Tokugawa troops won, leading to the establishment of the Tokugawa shogunate which ruled Japan for another two and a half centuries until 1868.

Inspired by this moment in history, Shigeta based his artwork on an ancient, multi-panel screen that depicts the battle. The original artwork was made in the 1620s and belonged to the Lord Ii of Hikone. A replica made in 1854 illustrates the details of the bloody battle, and even in its still composition, there&rsquos the sense of movement. Shigeta further brings the scene to life by transforming the 19th-century painting into a digitally animated loop.

За Sekigahara-Sansui-zu-Byobu, Shigeta used pixel animation to reconstruct the battle, just as it&rsquos depicted on the folding screen. Viewers can watch as the tiny samurai figures charge towards each other on horses and by foot before using their swords to battle it out. In other parts of the composition, figures are depicted navigating the ancient landscape and working to protect their territory. Even the clouds and rivers are animated to look as though they&rsquore moving just as they would in real life.

Check out Shigeta&rsquos work below, and if you want to experience it up-close, you can visit it in Chubu Centrair International Airport&lsquos Culture Gate to Japan exhibition.


Очи

The eyes of fish resemble human eyes (Fig. 4.29). At the front of each eye is a lens, held in place by a suspensory ligament. На lens focuses images of objects on the retina. To bring near and far objects into focus, the lens retractor muscle moves the lens back and forth.

На retina is a light-sensitive membrane rich in nerves that connect to the optic lobes of the brain by optic nerves. When light shines on the nerves of the retina, the optic nerves send impulses to the optic lobes. Because fish have no eyelids, their eyes are always open.

Some elasmobranchs, and most teleost fishes, have color vision. Some fishes can also see in ultraviolet (UV) light. UV vision is especially useful for reef fishes. UV vision helps fishes in foraging, communication, and mate selection.

Elasmobranchs, and some teleosts, also have a tapetum lucidum. The tapetum lucidum is a shiny, reflective structure that reflects light and helps vision in low light situations. На tapetum lucidum is what makes the eyes of sharks and deep sea fish, as well as land mammals like cats and cows, shine at night.

Fish eyes are usually placed just dorsal of and above the mouth. Just like the mouth of a fish, the size, shape, and position of the eyes can provide information about where a fish lives and what it feeds on. For example, fish predators often have eyes facing forward in order to provide better depth perception. Prey fish, on the other hand, often have eyes on the sides of their bodies. This gives them a larger field of view for avoiding predators. (Table 4.12).

Table 4.12. Fish form and function: Eye Features

Eye Diagram Опис Adapted Function
Tiny eyes, head length approximately six times longer than eye width Receiving high intensity light
Large eyes, head length approximately three times longer than eye width Receiving low intensity light or spotting predators
Average eyes head length three to five times longer than eye width Receiving normal intensity light
Tubular eyes Receiving low light from above often in deep water
Eyes on dorsal side of the fish Seeing above


7. Bobbit Worms Can Secretly Wreak Havoc in Aquariums

Just like the nearly 10-foot undetected bobbit worm found in a Japanese aquaculture pen, bobbit worms have been found hiding out in aquariums, too. In 2009, an aquarium in the U.K. discovered a 4-foot-long bobbit worm in one of their tanks. The bobbit worm attacked a number of prized fish before its discovery. On another occasion, a home aquarist found a bobbit worming hiding in his fish tank. In both cases, the bobbit worm broke into multiple pieces when handled. Even when separated, the bobbit worm pieces appeared to still be alive.


Hokusai (1760-1849)

Katsushika Hokusai, Japan's best known artist, is ironically Japan's least Japanese artist. Japan's best known woodblock print, The Great Wave , is very un-Japanese. Welcome to the artist often known as Hokusai.

Hokusai (1760-1849) lived during the Tokugawa period (1600 to 1867). In a Japan of traditional Confucian values and feudal regimentation, Hokusai was a thoroughly Bohemian artist: cocky, quarrelsome, restless, aggressive, and sensational. He fought with his teachers and was often thrown out of art schools. As a stubborn artistic genius, he was single-mindedly obsessed with art. Hokusai left over 30,000 works, including silk paintings, woodblock prints, picture books, manga, travel illustrations, erotic illustrations, paintings, and sketches. Some of his paintings were public spectacles which measured over 200 sq. meters (2,000 sq. feet.) He didn't care much for being sensible or social respect he signed one of his last works as "The Art-Crazy Old Man". In his 89 years, Hokusai changed his name some thirty times (Hokusai wasn't his real name) and lived in at least ninety homes. We laugh and recognize him as an artist, but wait, that's because we see him as a Western artist, long before the West arrived in Japan.

"From the age of six I had a mania for drawing the shapes of things. When I was fifty I had published a universe of designs. but all I have done before the the age of seventy is not worth bothering with. At seventy five I'll have learned something of the pattern of nature, of animals, of plants, of trees, birds, fish and insects. When I am eighty you will see real progress. At ninety I shall have cut my way deeply into the mystery of life itself. At a hundred I shall be a marvelous artist. At a hundred and ten everything I create a dot, a line, will jump to life as never before. To all of you who are going to live as long as I do, I promise to keep my word. I am writing this in my old age. I used to call myself Hokosai, but today I sign my self 'The Old Man Mad About Drawing." -- Hokusai

Hokusai started out as a art student of woodblocks and paintings. During the 600-year Shogun period, Japan had sealed itself off from the rest of the world. Contact with Western culture was forbidden. Nevertheless, Hokusai discovered and studied the European copper-plate engravings that were being smuggled into the country. Here he learned about shading, coloring, realism, and landscape perspective. He introduced all of these elements into woodblock and ukiyo-e art and thus revolutionized and invigorated Japanese art.

Although Chinese and Japanese paintings had been using long distance landscape views for 1,500 years, this style had never entered the woodblock print. Ukiyo-e woodblocks were produced for bourgeoisie city gentry who wanted images of street life, sumo wrestlers, and geishas. The countryside and peasants were ignored.

What was the influence on Hokusai? Here's an example of Dutch landscape art:

Philips Koninck, (1619-1688, Amsterdam)

In Holland in the late 1500s, artists such as Claes Jansz Visscher and Willem Buytewech developed landscape art, which focused on topographically-correct landscape representation. Landscape art reached its peak between 1630 and 1660 through Rembrandt van Rijn, Jacob van Ruisdael, and Jan van Goyen. By the late 1700s, these Dutch paintings had become so common that the etchings were used as cheap illustrations. Dutch merchants smuggled their goods into Japan. These wares were often wrapped in paper that had been illustrated with these etchings. For Hokusai and other artists, the thrown-away wrappers were more interesting than the imports.

Hokusai learned from Dutch and French pastoral landscapes with their perspective, shading, and realistic shadows and turned them into Japanese landscapes. More importantly, he introduced the serenity of nature and the unity of man and his surroundings into Japanese popular art. Instead of shoguns, samurai, and their geishas, which were the common topics of Japanese illustrative art at the time, Hokusai placed the common man into his woodblocks, moving the emphasis away from the aristocrats and to the rest of humanity. Во The Great Wave, tiny humans are tossed around under giant waves, while enormous Mt. Fuji is a hill in the distance.

The Breaking Wave Off Kanagawa . Исто така наречен The Great WaveНа Woodblock print from Hokusai's series Thirty-six Views of Fuji, which are the high point of Japanese prints. The original is at the Hakone Museum in Japan.

Hokusai's most famous picture and easily Japan's most famous image is a seascape with Mt. Fuji. The waves form a frame through which we see Mt. Fuji in the distance. Hokusai loved to depict water in motion: the foam of the wave is breaking into claws which grasp for the fishermen. The large wave forms a massive yin to the yang of empty space under it. The impending crash of the wave brings tension into the painting. In the foreground, a small peaked wave forms a miniature Mt. Fuji, which is repeated hundreds of miles away in the enormous Mt. Fuji which shrinks through perspective the wavelet is larger than the mountain. Instead of shoguns and nobility, we see tiny fishermen huddled into their sleek crafts as they slide down a wave and dive straight into the next wave to get to the other side. The yin violence of Nature is counterbalanced by the yang relaxed confidence of expert fishermen. Although it's a sea storm, the sun is shining.

To Westerners, this woodblock seems to be the quintessential Japanese image, yet it's quite un-Japanese. Traditional Japanese would have never painted lower-class fishermen (at the time, fishermen were one of the lowest and most despised of Japanese social classes) Japanese ignored nature they would not have used perspective they wouldn't have paid much attention to the subtle shading of the sky. We like the woodblock print because it's familiar to us. The elements of this Japanese pastoral painting originated in Western art: it includes landscape, long-distance perspective, nature, and ordinary humans, all of which were foreign to Japanese art at the time. The Giant Wave is actually a Western painting, seen through Japanese eyes.

Hokusai didn't merely use Western art. He transformed Dutch pastoral paintings by adding the Japanese style of flattening and the use of color surfaces as a element. By the the 1880's, Japanese prints were the rage in Western culture and Hokusai's prints were studied by young European artists, such as Van Gogh, Renoir, and Whistler, in a style called JaponaiserieНа You can also notice his influence in the art movements of Jugendstil in Germany and Art Noveau in France, which use flattening and texture. Thus Western painting returned to the West.

The Great Wave is from Hokusai's later years. He did a similar work many years before:


Fuji Seen From the Sea . 1834. Woodblock. From the series A Hundred Views of Mt. Fuji.

In this wave, the foam breaks up into a flock of birds. This wave is quite humorous it disperses itself into wind. Without the boats and the width of the other print, this work is not as dramatic. The tension of the sea is drawn out through lines up the side of the wave.

Peonies and Canary. Woodblock.
National Museum at Tokyo.
Кликнете за поголема слика.

Before Hokusai, ukiyo-e artists such as Utamaro and Kunsai drew birds and flowers as illustrations in books. Hokusai was the first artist to make these bird-and-flower artworks primarily as prints.

Flock of Chickens. Woodblock. 1830-1844. National Museum at Tokyo.

With a swirl of plumes, the flock of roosters form a circle of motion, similar to many of Hokusai's water paintings. The birds are precise and realistic. The woodblock could be a technical illustration to a ornithologist's text on breeds of roosters. Hokusai was inspired by European scientific illustrations and the European respect for the beauty of Nature. The rooster at the right-middle has a very happy, contented expression. This is an example of Hokusai's bird-and-flowers illustrations.

The Hanging Lantern of Kaya Temple.
Woodblock. Collection of Shozaburo Watanabe.
Кликнете за поголема слика.

This is an early example of Hokusai's landscapes. First of all, it's set at a real location, the Sumida River. The trees are done with chiarscuro shading in the European style. But it's not entirely realistic: the water's waves are still in the Chinese stylized fashion. The perspective is also wrong: the tail of the boat is higher than the houses behind it, and the boat appears to be above the house at the front of the illustration. Hokusai is still experimenting and learning various elements, and hasn't yet begun to unify them. Note the playful extension of the birdhouse out of the picture at the upper left.

Sunset over Ryogoku Bridge.
From 36 Views of Mt. Fuji. Woodblock. Hakone Museum.
Кликнете за поголема слика.

By the time Hokusai began his Mt. Fuji series, he was able to unify vast persepectives into calm paintings. Here, a boatload of passangers gaze at Mt. Fuji, in a quiet, plebian scene of ordinary people in their daily life. This realism is Hokusai's unique contribution to Japanese art. This print is from the 1840s, when Hokusai was already in his 70s and fully developed in his artistic skill.

Sangi Takamura. Women diving for abalone.
From Hundred Poems Explained by a Nurse. Woodblock. National Museum, Tokyo.
Кликнете за поголема слика.

This is from the late 1840s. A group of women dive for abalone.
Click the image and study the women at the lower left in the large version. They are interlaced through waves and water.

Courtesan. Painting on silk. 1812-1821.
Collection of Moshichi Yoshiara.
Кликнете за поголема слика.

The courtesan is almost buried the weight of her luxuriously textured and detailed kimono. Hokusai pays attention to precision and detail of the cloth. The important issue is the flattening of surfaces and the use of color fields. This became a major influence on Western artists in the late 1800s into the 1900s.

Fighting Cocks. Painting on silk.
Hakone Museum.
Кликнете за поголема слика.

Hokusai also did freehand paintings on paper and silk. Very few Japanese artists were able to work in both woodblock and painting. Note the rooster's very proud and agressive stance.

Hokusai Manga. Sketch on paper.

Hokusai also drew thousands of small sketches. These are called Manga in Japanese. There are more than 15 volumes of Hokusai manga. The fisherman and his load of tuna are delicately drawn in three-dimensional perspective.

For more about Hokusai

An Animation of Hokusai

Tony White animated a number of Hokusai prints. Watch this and you'll see how Hokusai has influenced so much of our modern culture.